Keine Biennale in Venedig war jemals unpolitisch, aber globale Angelegenheiten haben die diesjährige Ausgabe bereits tief geprägt. Eine Woche nach Beginn der 61. internationalen Kunstausstellung kam es zu Protesten gegen die Teilnahme Russlands und Israels, der Schließung von Pavillons und der Drohung, die Finanzierung zu kürzen.
Die Atmosphäre steht in auffallendem Widerspruch zur Vision des verstorbenen Kurators für die Veranstaltung, die im Thema „In Moll“ zum Ausdruck kommt. Koyo Kouoh wollte die Show neu ausrichten, weg von der „ängstlichen Kakophonie des gegenwärtigen Chaos, das in der Welt tobt“, und sich auf sanftere Töne von Emotionen, Verbundenheit und Erdung konzentrieren.
Trotz der hochkarätigen Demonstrationen sind es die Pavillons und Ausstellungen, die im Einklang mit Kouohs Kernwerten Pflege, Intimität und Reflexion stehen und die in diesem Jahr stillschweigend das Rampenlicht stehlen. Sie sind vielleicht weniger auffällig (mit Ausnahme einer, die es im wahrsten Sinne des Wortes ist), aber es ist wahrscheinlich, dass sie während der gesamten Biennale weiterhin Besucher anziehen, unabhängig von politischen Stunts in der Umgebung.
Ein kollektiver Akt der Fürsorge im Japan-Pavillon
Wenn Sie sich dem Japan-Pavillon nähern, der von Bäumen in den Giardini beschattet wird, sehen Sie andere Besucher, die mit Babypuppen in den Armen herumlaufen. Es gibt Lächeln, Gelächter und Witze zwischen Fremden – nicht immer die Art von Emotionen, die man mit dem Betrachten zeitgenössischer Kunst verbindet.
Grass Babies, Moon Babies der japanisch-amerikanischen Queer-Künstlerin Ei Arakawa-Nash ist einer der subtilsten und tiefgründigsten Ausdrucksformen von Kouohs kuratorischem Thema.
Beim Betreten sind die Besucher eingeladen, eine von 57 Puppen – in ausgefallenen Stramplern und Sonnenbrillen – durch die Pilotis, Gärten und Innenräume des Pavillons zu tragen. Auf diese Weise nehmen die Besucher an einem Akt der kollektiven Fürsorge teil, mit der Möglichkeit, die Windeln der Puppen zu wechseln und einen QR-Code zu aktivieren, der ein „Windelgedicht“ basierend auf dem zugewiesenen Geburtstag jedes Babys liefert.
Kouoh, der im Mai 2025 starb, wollte, dass sich die diesjährige Ausstellung auf das Langsame und Sinnliche konzentriert. Arakawa-Nashs Show lädt Besucher dazu ein, sich körperlich und emotional auf eine zutiefst menschliche und persönliche Handlung einzulassen – die Teilnahme löst nicht nur Freude aus, sondern möglicherweise auch Nostalgie, Verantwortung oder Trauer.
Dadurch werden wir gezwungen, uns mit grundlegenden gesellschaftlichen Fragen der Kindererziehung für eine ungewisse Zukunft auseinanderzusetzen. Wie die Kuratoren schreiben, stellt der Pavillon die Frage: „Wie können wir eine neue Generation von Babys feiern, während wir als Betreuer die unvollendete Arbeit der Wiedergutmachung und Wiedergutmachung übernehmen, die die Welt, in die sie eintreten, prägt?“
Der Klang der Kunst im Polnischen Pavillon und im Pavillon des Heiligen Stuhls
Kouohs melodisches Thema hat in den diesjährigen Pavillons zahlreiche klangbasierte Shows inspiriert. Sie erinnern sowohl im wörtlichen als auch im übertragenen Sinne an Moll-Tonarten und laden die Besucher dazu ein, sich mit Kunst in einem alternativen Sinne auseinanderzusetzen und über die „niederen Frequenzen“ der Gesellschaft nachzudenken: diejenigen, die marginalisiert oder übersehen werden.
In der Audio- und Videoinstallation „Liquid Tongues“ im Polnischen Pavillon befassen sich Bogna Burska und Daniel Kotowski mit entmachteten Formen der Kommunikation.
Die Atmosphäre ist faszinierend: riesige Bildschirme, von denen einer an der Decke montiert ist, sodass Sie sich auf einer großen gepolsterten Bank zurücklehnen und zusehen können, wie der Chor in Motion einen Auftritt von hörenden und gehörlosen Sängern spielt, die in internationaler Gebärdensprache singen und gebärden.
Der Raum hallt von Klängen wider, die von Walgesängen inspiriert sind, einer „ungehörten Stimme“ wie der der Gehörlosengemeinschaft. Das Projekt hebt Bemühungen hervor, Sprachen zurückzugewinnen, die von dominanten Stimmen verdrängt wurden, darunter Hand Talk, die Plains Indian Sign Language, die sowohl von hörenden als auch von gehörlosen indigenen Völkern Nordamerikas verwendet wird.
Wie die Kuratoren schreiben: „Basierend auf der Idee von Deaf Gain wird Taubheit nicht als Behinderung betrachtet. Der Großteil des Filmmaterials wurde im Wasser gedreht. Gehörlose können dort frei gebärden, aber hörende Menschen können nur gedämpfte Geräusche machen.“
„The Ear is the Eye of the Soul“ des Pavillons des Heiligen Stuhls ergänzt Kouohs „Archipel der Oasen“ in der Hauptausstellung, die als Räume voller Erinnerungen und Emotionen gedacht sind, die für die Universen großer Künstler von zentraler Bedeutung waren.
Im Giardino Mistico, einem Klostergarten des Ordens der Unbeschuhten Karmeliter, sind Besucher dazu eingeladen, sich auf eine ruhigere Stimmung einzustimmen. Nachdem Sie offene Kopfhörer aufgesetzt haben, schlendern Sie schweigend durch den Garten und treffen auf eine Reihe von Klangkompositionen experimenteller Musiker, die von den Gesängen und Visionen der Heiligen Hildegard von Bingen aus dem 12. Jahrhundert inspiriert sind.
In einer kakophonen Welt, die nach Neuem und Innovation strebt, fühlt sich dieser retrospektive, introspektive Akt des Gehens und Zuhörens geradezu radikal an.
Eine Abwasser-Meereswelt im Österreichischen Pavillon
Wenn das Spielen in einer Moll-Tonart im Moment irgendetwas genau beschreibt, dann ist es die Stadt Venedig selbst. Sein melancholisches Schicksal wird im Pavillon Österreichs beleuchtet, der sich in diesem Jahr schnell zum lebhaftesten Pavillon der Biennale entwickelt.
Der Titel „Seaworld Venice“ liegt irgendwo zwischen einem Unterwasser-Themenpark und einer Kläranlage – eine unverblümte Vision der Zukunft der Stadt in düsteren Szenarien des Klimawandels.
Die permanente Live-Installation der österreichischen Choreografin und Performance-Künstlerin Florentina Holzinger zeigt einen nackten Jetskifahrer, der im Kreis saust, als Anspielung auf Venedigs Probleme mit übermäßigem Bootsverkehr, und einen weiteren nackten Darsteller in einem Wassertank, der mit dem gefilterten Urin der Besucher aus benachbarten tragbaren Toiletten aufgefüllt wird.
Das Projekt macht den Besuchern ihren individuellen Einfluss auf Venedig und die ökologische Fragilität der Welt spürbar bewusst.
Kuratorin Nora-Swantje Almes erklärt: „Holzinger stellt die Mitschuld der Menschheit am Zusammenbruch von Systemen dar, indem sie etablierte Strukturen und die scheinbare Ordnung der Dinge in Frage stellt – und offenbart, dass die Ordnung selbst von Natur aus instabil ist.“
