Auschwitz, 1944. Jonathan Glazer führt uns in „The Zone of Interest“ mitten in das Familienleben des Lagerkommandanten in Auschwitz. Ein erschreckender, zeitgenössischer Blick auf die Banalität des Horrors. Der Film ist jetzt draußen. Ein Schock. Rezension und Interview mit Regisseur Jonathan Glazer.
Es gibt Filme, die bleibende Spuren hinterlassen. Es gibt eine Vorher-Nachher-Vision dieser Art einzigartiger Werke, die Ihre Sicht auf eine nahe oder ferne Ära, eine politische oder religiöse Ideologie, eine Vorstellung von der Menschheit, ihrer Größe und ihrem Schrecken verändert. Und „The Zone of Interest“ ist definitiv einer davon.
Der Film gewann in der offiziellen Auswahl von Cannes, wenn ich das so sagen darf, nicht nur den Großen Preis der Jury (also die Silberne Palme), sondern auch den FIPRESCI-Pressepreis, ein Garant für Exzellenz und die innovative Vision eines Autors.
Jonathan Glazer ist natürlich kein Unbekannter, aber die breite Öffentlichkeit hat ihn erst durch seinen vorherigen Film, seinen vierten Spielfilm „Under the Skin“, entdeckt, einen überaus brillanten Spielfilm, der die Außerirdische Scarlett Johansson unter menschlicher Gestalt auf die Erde schickt, um dies zu erreichen Genießen Sie menschliche Energie und Wärme, insbesondere sexuelle. Zwischen einem Fantasy-Film über Säure und einem existenziellen Roadmovie, hieratischen Bildern und dokumentarischer Realität ist es einer der faszinierendsten Filme, die je über das Anderssein und letztendlich auch über das Mysterium der Schöpfung gesehen wurden. Er signierte auch die Videos unter anderem für Radiohead, Jamiroquai, Massive Attack und Blur, aber „The Zone of Interest“ wird der erste Film bleiben, bei dem er Regie führte und den er auch alleine schrieb, auch wenn das Drehbuch eine Adaption davon ist gleichnamiges Buch von Martin Amis, das noch am Tag seiner Weltpremiere in Cannes verstarb.
Palme oder nicht, „The Zone of Interest“ wird als einer der größten Filme über den Holocaust in die Geschichte des Kinos eingehen, indem er Darstellungen und Standpunkte umkehrt und eine Vision der Hölle liefert, die sowohl in der Form als auch im Inhalt unerbittlich ist.
Indem wir den Zuschauer in die Rolle des Entomologen versetzen – der Film besteht ausschließlich aus Standbildern, eine ästhetische und erzählerische Meisterleistung – des Familienlebens von Rudolf Höss, dem Leiter des SS-Lagers in Auschwitz im Jahr 1944, sehen wir das Grauen Arbeit, in der Rolle der Nazis, die auf der rechten Seite der Mauer stehen, und erinnert uns an all die Kompromisse, Blindheit und Fanatismus, zu denen Menschen fähig sind.
Sandra Hüllers Auftritt als versierte bürgerliche Mutter ist in diesem Sinne erschreckend abscheulich. Die Szene, in der sie die Mäntel der vergasten Jüdinnen auf der anderen Seite des Gartens anprobiert, ist vielleicht der Höhepunkt des Films. Glazers Kamera ersetzt den Spiegel, in dem sie sich selbst betrachtet, und während sie sich selbst als Dame von Welt in Nerz bewundert, blickt sie direkt in die Kamera; Tatsächlich ist es ihre faule Seele, die sie dem Betrachter zeigt. Der Umgebungssoundtrack ist der Industrielärm der Fabrik, in der Juden verbrannt werden.
Der Film wird von einer zeitgenössischen Partitur von Mica Levi (die auch den Soundtrack für „Under the Skin“ geschrieben hat) unterbrochen, die, wie der Film selbst, die dunklen Wünsche der Menschheit herausmeißelt und widerspiegelt, und zwar durch eine Partitur, die wie viele Risse mit Dissonanzen spielt die scheinbare Harmonie, die Glazer im bürgerlichen, unkonventionellen Leben der Nazi-Familie darstellt.
Der Film wurde gerade für fünf Oscars nominiert, darunter zwei Nominierungen in den prestigeträchtigsten Kategorien „Bester Film“ und „Beste Regie“ sowie Sandra Hüllers Nominierung für den Oscar „Beste Hauptdarstellerin“.
Wir trafen den Regisseur in Cannes, kurz nachdem er den Grand Prix du Jury erhalten hatte. Ein seltenes und klares Interview.
Euronews: Es ist ein Zufall, dass Martin Amis noch am Tag der ersten Vorführung in Cannes starb. Symbolisiert sein Tod nicht ein neues Leben für sein Buch?
Jonathan Glazer: Es ist wie ein zweites Leben, ja. Es ist interessant, was Sie sagen. So habe ich mich gefühlt, als ich die Nachricht hörte. Wenige Wochen vor Cannes erfuhren wir, dass Martin Amis schwer erkrankt war, und seitdem stehen wir in Kontakt mit seiner Frau. Es gelang uns, Martin Amis eine Kopie des Films zu verschaffen, damit er ihn sehen konnte. Aber ja, es ist ein sehr seltsamer Zufall.
Euronews: Dies ist Ihr erster Film seit 10 Jahren (Under the Skin). Ich schätze, es hat so lange gedauert, bis ich mich auf eine Geschichte wie diese eingelassen habe …
Jonathan Glazer: Das ist richtig. Das ist mir bei diesem Projekt auf jeden Fall passiert, ich musste mir die Zeit nehmen, die ich brauchte. So etwas darf man nicht auf die leichte Schulter nehmen. Ich glaube, ich habe die ersten beiden Jahre tatsächlich mit Lesen verbracht, bevor ich überhaupt wusste, was ich tun oder irgendetwas anderes tun würde. Ich habe es gerade gelesen und mir vorgestellt. Es ist ein so umfangreiches Thema, und ich musste auch verstehen, warum oder was mich an dem Thema dazu hingezogen hat, denn genau das ist passiert. Das Thema und der Kern der Geschichte kommen zu einem, man kommt nicht zu ihr. Dann versuchte ich zu verstehen, was ich tun konnte. Zu sehen, was ich vorher noch nicht gesehen hatte, aus einem anderen Blickwinkel, einer anderen Perspektive. Weil es so wichtig ist, dass diese Geschichte von und für jede Generation immer wieder erzählt wird. Ich hoffe, dass wir es eines Tages nicht noch einmal erzählen müssen, aber leider ist dieser Tag noch nicht gekommen. Als ich dann Martins Buch las, sah ich, dass er ein Buch aus der Sicht der Protagonisten geschrieben hatte. Für mich war das der Schlüssel zu meinem eigenen Standpunkt und meiner eigenen Richtung.
Euronews: „The Zone of Interest“ ist ein Film, der es wagt, in seiner Musik, Fotografie und seinem Schnitt ästhetische und erzählerische Entscheidungen zu treffen. Wollten Sie einen entschieden zeitgenössischen Film machen?
Jonathan Glazer: Ja genau. Ich wollte einen Film über die Gegenwart machen. Ich hatte kein Interesse daran, über dieses Thema einen Film zu machen, bei dem man ruhig stehen bleiben und sich sagen kann: „Das ist schon lange her. Es hat nichts mehr mit uns zu tun.“ Aber das tut es nicht. Die Geschichte spielt in den letzten Kriegsjahren, doch das Lager Auschwitz und das Haus und der Garten, in dem der Film spielt, waren noch sehr neu, höchstens ein paar Jahre. Das Camp war fünf Jahre alt und ich meine, alles war neu. Dabei handelte es sich um Neubauten, die gerade erst errichtet worden waren. Ich wollte das irgendwie zusammenbringen, nachbilden und dann wirklich einen Weg finden, es mit einem Objektiv des 21. Jahrhunderts zu filmen. Diese Geschichte als etwas Aktuelles, etwas Jüngstes darzustellen.
Euronews: Mit diesem Setting und dieser Modellfamilie zeigen Sie im Grunde die Banalität des Bösen, wie sie Hannah Arendt konzipiert hat. Und dieses Übel spielt sich in Ihrem Film doch völlig abseits der Leinwand ab?
Jonathan Glazer: Genau. Horror ist außerhalb des Bildschirms. Ich denke, dass die Menschen gegenüber bestimmten Bildern, die wir alle gesehen haben, weniger betroffen oder vielleicht desensibilisiert sind. Ich wollte diese Bilder auf keinen Fall nachbilden. Ich wollte sie in keiner Weise reproduzieren. Es war nicht das Richtige für mich. Und ich glaube nicht, dass es in diesem Zusammenhang das Richtige ist. Aber ich wusste, dass der Sound diese Dimension bringen würde. Als ich anfing, aus einer evokativen Perspektive weiter zu arbeiten, wurde mir klar, dass der Ton wichtig ist und dass er den Film festigen und uns auf den Horror aufmerksam machen würde, der da geschieht. Der Klang hat die Kraft dazu.
Euronews: Außerdem gibt es das zentrale Paar der Nazi-Familie, gespielt von Sandra Hüller und Christian Friedel, zwei deutschen Schauspielern. Welche Anweisungen gaben Sie ihnen, solch verabscheuungswürdige Charaktere zu spielen?
Jonathan Glazer: Es war sehr interessant. Sandra ist offensichtlich eine fantastische Schauspielerin und sie hat die Rolle der Hedwig Höss vollkommen ausgefüllt. Und auch körperlich, bis zu dem Punkt, dass sie ihr ähnelte. Auch Christian Friedel, eher inwendiger, ruhiger im Auftritt, aber dennoch sehr einfühlsam. Es ist sehr seltsam, aber ich habe sie basierend auf dem ausgewählt, was ich über die Charaktere, die sie darstellten, und die Menschen, die sie darstellten, verstanden habe. Dann bestand meine Aufgabe darin, in den Hintergrund zu treten und sie vergessen zu lassen, dass wir mit der gesamten technischen Crew dort waren. So gehörte das Haus ihnen, es war groß und wir konnten sie sich entwickeln lassen, ohne dass wir physisch da waren. Wir haben natürlich gefilmt und auf dem Monitor gesehen, wie es weitergeht, aber vor allem wollte ich, dass sie in ihre Rolle und ihr Umfeld eintauchen, am Ende wie ihre Figuren leben, in der Gegenwart, ohne sich Sorgen machen zu müssen alle Kinoutensilien zu entdecken und sich in ihrem Haus vor unseren Augen zu entwickeln. Auf zusätzliche Lichter oder andere Tricks haben wir verzichtet. Vor allem wollten wir, dass dieser Film so autorenlos wie möglich ist.
Interview von Frédéric Ponsard.
